Escalas Pentatónicas

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Dentro de la armonía moderna la armonía modal tiene un papel importante, ya que los modos que utilizamos en nuestra música se amplian mucho, por lo que dominar las nuevas escalas y sus modos es importante para desarrollar nuestro lenguaje musical.

Sin embargo unas escalas que solemos pasar por alto, desde el punto de vista de la armonía modal, son las escalas pentatónicas, escalas que podemos utilizar en piano, guitarra, bajo y cualquier instrumento, escalas que surgen en diferentes culturas que no han tenido contacto entre ellas, lo cual las convierte en un recurso interesante al que distintos etnomusicólogos han prestado atención.

En la música impresionista encontramos lo que algunos teóricos denominan escalas exóticas, pero también encontramos escalas pentatónicas que son distintas de la escala pentónica mayor y la escala pentatónica menor a la que estamos acostumbrados.

Por supuesto todas las innovaciones que aparecieron en la música del siglo XX también pueden aplicarse cuando trabajamos en la armonía modal desde una perspectiva contemporanea del siglo XXI.

Tanto la centralidad como otras formas de moverse entre modos sin recurrir a las funciones tonales tienen una relevancia innegable y como compositores debemos de incorporar todos estos recursos en nuestro lenguaje armónico, así que este pequeño tutorial, que incluye una propuesta de actividad musical con estas escalas pentatónicas, puede ser un buen punto de partida independientemente del nivel en el que te encuentres en este momento.

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Componer con Clusters – Arreglos Musicales

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Componer con clusters o incorporarlos en nuestros arreglos musicales, sea en la orquestación de un conjunto sinfónico al completo o en ensembles más pequeños, es un recurso sin duda interesante para nuestros arreglos musicales, aunque presenta ciertas dificultades.

Los clusters son disposiciones de los acordes compuestos exclusivamente de segundas mayores, segundas menores o una combinación de ambas.

Cuando componemos con clusters tenemos a nuestra disposición sonoridades muy evocadoras, tal y como ya nos mostraron los grandes maestros del impresionismo, pero vamos a tener que manejarlos con cuidado, estando muy pendientes del límite de intervalos bajos, de los planos sonoros, de las dinámicas y del aspecto psicoacústico de nuestra obra; vamos a tener que asegurarnos de que la masa sonora que obtendremos gracias al cluster se percibirá en estructuras armónicas que el oído podrá identificar con claridad.

Crear paisajes sonoros utilizando clusters es, una vez hemos cogido el truco a cómo orquestarlos, bastante sencillo, especialmente si lo combinamos con armonía modal. Sin embargo en el ejercicio propuesto tendremos que tener también una melodía que sea reconocible y memorable; que sea coherente y que funcione de forma clara y bien diferenciada en este contexto donde caer en lo ambiental y regodearnos en la textura va a ser muy, pero muy tentador.

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Componer con Modulaciones Plagales

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La modulación es un recurso armónico que nos ayuda a dar interés a nuestras composiciones. La semana pasada construímos una melodía que atravesaba las doce tonalidades utilizando una progresión de acordes que se basaba en la modulación constante.

En el video de esta semana vamos a insistir en la idea de construir una melodía que vaya modulando por las doce tonalidades pero nos vamos a mover de forma distinta, ya que en lugar de utilizar resoluciones de dominante a tónica vamos a utilizar resoluciones de subdominante a tónica, es decir, vamos a componer con modulaciones plagales.

Además vamos a utilizar un recurso muy habitual en la música de cine que es lo que algunos teóricos llaman harmonic overkill.

También vamos a aprender a utilizar el registro como herramienta compositiva y a crear periodos para nuestro fraseo melódico en contextos donde la progresión es continua, como en este caso donde estamos en medio de una modulación constante.

Como en todos los videos, se propone un ejercicio para que lo puedas realizar en casa y que lo escuchemos en directo el sábado que viene. Si ves este video más tarde no podremos corregir tu trabajo en directo pero aún así puedes hacerlo para asegurarte de que estás convirtiendo en práctica musical la teoría musical que aquí se explica.

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Componer con Modulación En Los Doce Tonos

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Componer con modulación en los doce tonos es la actividad musical de esta semana donde, básicamente, nos iremos moviendo de un centro tonal a otro siguiendo el ciclo de quintas en sentido inverso, es decir el ciclo de cuartas, mientras nuestra melodía sigue la modulación en los doce tonos aportando coherencia musical con su gestualidad melódica, es decir, que debemos construir una melodía cuyos periodos y frases sucedan a lo largo de las doce tonalidades, no simplemente utilizar secuencias melódicas adaptadas a cada tono sino componer un discurso coherente con direccionalidad y sentido.

La progresión presenta algunos retos musicales, ya que la función tonal de cada uno de los acordes se va a ver afectada por un determinado gesto melódico que, al final, se traduce en un gesto armónico estará presente a lo largo de toda la estructura del tema.
En el curso de armonía moderna hemos visto modulaciones de distinto tipo, modulaciones directas, modulaciones con acordes pivot, modulaciones concretas, etc, pero en este video vamos a usar una modulación continua, en una especie de armonía errante que nos llevará por las doce tonalidades mayores mientras vamos desarrollando nuestra melodía, de manera que al final tendremos una línea melódica coherente en medio de una modulación en los doce tonos.

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Armonía Modal – Pivotar entre modos

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La Armonía Modal es una de las herramientas compositivas que podemos utilizar en música moderna para dar carácter y riqueza armónica a nuestras composiciones.

Por supuesto la composición modal moderna no es algo exclusivo del Jazz; en el pop/rock encontramos multitud de temas modales, desde el luminoso Man on The Moon de R.E.M en modo lidio hasta el oscuro Painkiller de Judas Priest, que es, por cierto, uno de los pocos temas en modo locrio ya que este modo presenta algunos problemas que explicamos en el video.

El rock por su parte nos ha dejado grandes temas cuyas progresiones son claramente mixolidias. También en Jazz tenemos multitud de ejemplos de composiciones modales, de hecho toda una rama del jazz, el jazz modal, se centró en el trabajo con los modos como eje compositivo.

Otros artistas como Sting o Radiohead nos han brindado algunos temas donde los modos juegan un papel decisivo, valiéndose de procesos cadenciales más propios de la música tonal que de el característico eje de tensión/relajación típico de la música modal.

En el canal hemos dedicado una serie de videos a la composición con modos, tanto de la escala mayor como de otras escalas fuente como la mayor armónica, la menor armónica y la escala napolitana menor.

En este video tutorial vamos a ver cómo podemos utilizar algunos de los conceptos que hemos trabajado en armonía moderna para desenvolvernos con soltura en contextos modales, así que debajo del video tenéis el índice:

00:00 Inicio

00:21 Eje Armónico Tonal

00:54 Armonía Modal

01:23 Set de Notas

02:14 El Modo Jónico

03:00 Centralidad Desplazada

03:43 La problemática del modo Locrio

05:25 El Modo Dórico

06:34 Componer en Contextos Modales

07:41 Tensión/Relajación

09:22 Nota Característica del Modo

10:27 Direccionalidad Melódica

11:30 Ruptura Modal

12:27 Ritmo Armónico

13:27 Pivotar en Contextos Modales

14:44 Posibilidades Compositivas

16:47 Direccionalidad Melódica en Armonía Modal

19:36 Direccionalidad Armónica en Armonía Modal

19:59 Mantener el Centro Modal

20:23 Ejemplo Modo Mixolidio

21:25 El Problema La No Exclusividad Armónica

23:54 Ejemplo Modo Lidio

24:41 Uso Modal de los Pedales Armónicos

26:33 Ejemplo Modo Frigio

28:25 Ejercicio de la Semana

*Algunos Videos del canal sobre Armonía Modal*

Modo Mixolidio:

Modo Lidio:

Modo Dórico:

Modo Frigio:

Notas Guía – Melodía y Armonía

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Componer melodías teniendo como notas estructurales las notas guía y las notas características del modo como material compositivo es una manera sencilla de construir melodías memorables.

Muchas veces pensamos que el acorde es el que nos aporta la información armónica cuando, en realidad, muchas veces es la melodía la que nos da esa información.  Grandes improvisadores como Lester Young. Stan Getz, John Coltrane y Sonny Rollins, nos han legado una técnica basada en melodías espontáneas con una riqueza armónica sin precedentes, al margen de la direccionalidad melódica y el contorno melódico. 

Cuando hablamos de notas guía en armonía moderna tenemos que considerar dos niveles; el nivel estructural, donde aportamos la información sobre la naturaleza del acorde y el nivel modal, donde aportamos información sobre la naturaleza del modo.

Como el oyente se lleva consigo las líneas monofónicas de nuestra composición, es deseable que construyamos melodías que tengan solidez armónica, tanto al componer como al improvisar, y de esta forma podremos marcar una diferencia muy clara entre estar tocando encima de una progresión de acordes y estar creando una melodía a partir de una progresión de acordes.

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Componer Canciones con Ruedas de Acordes

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Hemos visto cómo construir una progresión de acordes a partir de nuestra melodía para tener una armonía lo más rica posible pero también existe la opción de trabajar al revés, es decir, componer canciones partiendo de una secuencia de acordes.

En este video vemos cómo componer una canción partiendo de una rueda de acordes y, haciendo uso de nuestro lenguaje armónico, mejoramos la armonía para tener a nuestra disposición más escalas y modos con los que componer la melodía, de forma que esta sea más rica y nos dé más oportunidad de desarrollo melódico.

También, desde un punto de vista modal, tenemos que considerar las relaciones estructurales que existen entre las notas de un modo y las notas del siguiente, ya que este es uno de los puntos clave en el lenguaje melódico de grandes músicos de jazz y de otros estilos que muchas veces se pasa por alto y que ofrece recursos interesantes más allá del uso de notas comunes.

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Notas Pivot: Rearmonización

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La rearmonización con notas pivot es una técnica habitual en jazz y en artistas con un lenguaje armónico avanzado como Jacob Collier.

Las notas pivot utilizan un concepto muy similar al concepto de los acordes pivot que encontramos en la modulación con acordes pivot, que es uno de los tipos de modulación explicados en la masterclass de armonía moderna.

La idea base es que una misma nota existe en distintos acordes con funciones distintas, al igual que los acordes pivot son morfologicamente iguales entre sí pero varían en función total y en su relación escala-acorde.

Es habitual encontrar también encontrar notas pivot en acordes con función mediante, tanto diatónicos como cromáticos, acordes muy utilizados en armonía de cine, pero también pueden encontrarse en canciones pop, en grupos con un lenguaje armónico interesante como por ejemplo Radiohead, grupo que además utiliza el intercambio modal de forma muy efectiva.

Índice del Video:

00:00 Intro

00:16 Acordes Pivot

01:37 Notas Pivot

03:15 Acordes Mediantes

04:59 Acordes de Cine

06:19 Armonía Radiohead

07:31 Armonía y estructura

07:52 Leading Tones

08:26 Mediantes Cromáticos

09:40 Función Tonal

11:10 Armonía Cromática

12:50 Notas Repetidas

14:50 Armonía Jacob Collier

15:11 Escoger nota Pivot

16:25 Modulaciones con Pivot

18:16 Ear Training con Notas Pivot

27:14 Ejercicio con Notas Pivot

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Chord Melody: Rearmonización

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Chord Melody es el nombre que ponemos en jazz a convertir una melodía en una sucesión de acordes, sucesión de acordes que normalmente tiene la melodía en el top note y hace uso extensivo de las técnicas de rearmonización propias del lenguaje jazzistico

El chord melody no es patrimonio exclusivo del jazz, de hecho algunas melodías anteriores al periodo clásico ya utilizaban esta forma de armonización.

Hoy día la encontramos en jazz, rock, fussion e incluso en pop. Los principios que la rigen son bastante sencillos y en este video los explicaremos con un ejemplo sencillo.

Las cosas a tener en cuenta a la hora de rearmonizar con esta técnica musical son los landing points, es decir, los puntos de llegada, la direccionalidad melódica y la narrativa tanto melódica como armónica.

Para usar chord melody de una forma efectiva tenemos que plantear la rearmonización como algo más que sustituir acordes, ya que en su versión más pura todas y cada una de las notas van a tener su propio acorde.

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Arreglos Musicales para Big Band de Jazz

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Hacer arreglos musicales para big band es una de las cosas más divertidas que, como músicos de jazz, podemos hacer. Estudiar arreglos para big band es una forma perfecta de introducirse al lenguaje previo a la orquestación en un contexto de música moderna.

Las grandes big bands de Ellington, Basie, Jones, etc, nos han dejado un legado sonoro inmenso y, a día de hoy, seguimos escribiendo arreglos musicales para este ensemble de jazz: la big band.

En este video hablaremos sobre tips básicos de escritura de arreglos para big band, consideraciones sobre las diferentes secciones que la componen, los saxos, los metales y la sección rítmica.

Para que el video os aporte más, os he traído a otro educador musical que está especializado en lenguaje de jazz y que escribe y dirige obras para big band, así tenéis feedback de primera mano sobre componer música para esta fabulosa formación. Él es Miguel López, profesor de composición y armonía en el Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene. https://musikene.eus/

A Miguel lo podéis encontrar en Twitter: @MiguelLopezBlaz

La foto de la portada está hecha por Antonio Torres, excelente fotógrafo que se ha especializado en músicos de jazz, su instagram es: https://www.instagram.com/atorresjazz…

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