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Lenguaje Armónico

Cadencias y Armonía

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En la armonía funcional las cadencias son un elemento importantísimo ya  que nos señalan nuestro centro tonal. Muchas obras en la música clásica  se estructuran en torno a las cadencias, implicando  diferentes procesos cadenciales. Un análisis armónico de obras de distintos  autores desde Bach hasta Charlie Parker nos señala con claridad la  importancia que tienen las cadencias, sea en contextos tonales o en  contextos de tonalidad extendida. 

Uno de los mayores retos que ha enfrentado la música post-tonal que se  apoya en centralidad ha sido precisamente buscar alternativas o  equivalentes armónicos a las cadencias. 

Diferentes estilos musicales tienen entre sus características esenciales por lo que conocerlas y saberlas  utilizar es importante para cualquiera que se tome en serio la  composición musical. Comprender los procesos cadenciales de la música  clásica, de la música modal, del rock, del pop, del jazz, del neosoul y  del gospel, entre otros, es una forma efectiva de ampliar nuestro  vocabulario armónico.

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Componer con Modulaciones Plagales

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La modulación es un recurso armónico que nos ayuda a dar interés a nuestras composiciones. La semana pasada construímos una melodía que atravesaba las doce tonalidades utilizando una progresión de acordes que se basaba en la modulación constante.

En el video de esta semana vamos a insistir en la idea de construir una melodía que vaya modulando por las doce tonalidades pero nos vamos a mover de forma distinta, ya que en lugar de utilizar resoluciones de dominante a tónica vamos a utilizar resoluciones de subdominante a tónica, es decir, vamos a componer con modulaciones plagales.

Además vamos a utilizar un recurso muy habitual en la música de cine que es lo que algunos teóricos llaman harmonic overkill.

También vamos a aprender a utilizar el registro como herramienta compositiva y a crear periodos para nuestro fraseo melódico en contextos donde la progresión es continua, como en este caso donde estamos en medio de una modulación constante.

Como en todos los videos, se propone un ejercicio para que lo puedas realizar en casa y que lo escuchemos en directo el sábado que viene. Si ves este video más tarde no podremos corregir tu trabajo en directo pero aún así puedes hacerlo para asegurarte de que estás convirtiendo en práctica musical la teoría musical que aquí se explica.

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Notas Guía – Melodía y Armonía

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Componer melodías teniendo como notas estructurales las notas guía y las notas características del modo como material compositivo es una manera sencilla de construir melodías memorables.

Muchas veces pensamos que el acorde es el que nos aporta la información armónica cuando, en realidad, muchas veces es la melodía la que nos da esa información.  Grandes improvisadores como Lester Young. Stan Getz, John Coltrane y Sonny Rollins, nos han legado una técnica basada en melodías espontáneas con una riqueza armónica sin precedentes, al margen de la direccionalidad melódica y el contorno melódico. 

Cuando hablamos de notas guía en armonía moderna tenemos que considerar dos niveles; el nivel estructural, donde aportamos la información sobre la naturaleza del acorde y el nivel modal, donde aportamos información sobre la naturaleza del modo.

Como el oyente se lleva consigo las líneas monofónicas de nuestra composición, es deseable que construyamos melodías que tengan solidez armónica, tanto al componer como al improvisar, y de esta forma podremos marcar una diferencia muy clara entre estar tocando encima de una progresión de acordes y estar creando una melodía a partir de una progresión de acordes.

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Notas Pivot: Rearmonización

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La rearmonización con notas pivot es una técnica habitual en jazz y en artistas con un lenguaje armónico avanzado como Jacob Collier.

Las notas pivot utilizan un concepto muy similar al concepto de los acordes pivot que encontramos en la modulación con acordes pivot, que es uno de los tipos de modulación explicados en la masterclass de armonía moderna.

La idea base es que una misma nota existe en distintos acordes con funciones distintas, al igual que los acordes pivot son morfologicamente iguales entre sí pero varían en función total y en su relación escala-acorde.

Es habitual encontrar también encontrar notas pivot en acordes con función mediante, tanto diatónicos como cromáticos, acordes muy utilizados en armonía de cine, pero también pueden encontrarse en canciones pop, en grupos con un lenguaje armónico interesante como por ejemplo Radiohead, grupo que además utiliza el intercambio modal de forma muy efectiva.

Índice del Video:

00:00 Intro

00:16 Acordes Pivot

01:37 Notas Pivot

03:15 Acordes Mediantes

04:59 Acordes de Cine

06:19 Armonía Radiohead

07:31 Armonía y estructura

07:52 Leading Tones

08:26 Mediantes Cromáticos

09:40 Función Tonal

11:10 Armonía Cromática

12:50 Notas Repetidas

14:50 Armonía Jacob Collier

15:11 Escoger nota Pivot

16:25 Modulaciones con Pivot

18:16 Ear Training con Notas Pivot

27:14 Ejercicio con Notas Pivot

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Chord Melody: Rearmonización

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Chord Melody es el nombre que ponemos en jazz a convertir una melodía en una sucesión de acordes, sucesión de acordes que normalmente tiene la melodía en el top note y hace uso extensivo de las técnicas de rearmonización propias del lenguaje jazzistico

El chord melody no es patrimonio exclusivo del jazz, de hecho algunas melodías anteriores al periodo clásico ya utilizaban esta forma de armonización.

Hoy día la encontramos en jazz, rock, fussion e incluso en pop. Los principios que la rigen son bastante sencillos y en este video los explicaremos con un ejemplo sencillo.

Las cosas a tener en cuenta a la hora de rearmonizar con esta técnica musical son los landing points, es decir, los puntos de llegada, la direccionalidad melódica y la narrativa tanto melódica como armónica.

Para usar chord melody de una forma efectiva tenemos que plantear la rearmonización como algo más que sustituir acordes, ya que en su versión más pura todas y cada una de las notas van a tener su propio acorde.

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Productividad para Músicos: Crear una Rutina de Estudio

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La productividad para músicos es algo sobre lo que no solemos hablar.

Necesitamos tener un workflow eficiente para la composición, para trabajar con nuestro DAW pero, sobre todo, necesitamos tener una rutina de estudio eficiente, una rutina de estudio que realmente nos sirva a nosotros, no una rutina general, sino algo específico hecho a nuestra medida.

Nuestra productividad va a depender de nuestra capacidad de utilizar de forma eficiente el tiempo disponible, esta es una afirmación que puede aplicarse a cualquier profesión pero es especialmente importante cuando hablamos de productividad para músicos y sobre todo cuando hablamos de la rutina de estudio para músicos.

En este video propongo los puntos que desde mi experiencia debe cubrir toda rutina diaria para músicos, al margen de las rutinas de trabajo que cada instrumentista siga con su instrumento específico. La gestión del tiempo para músicos es algo que no debemos desestimar; el tiempo del que disponemos es limitado y las tareas que hacemos tienden a expandirse y ocupar todo nuestro tiempo, por lo que tenemos que utilizar un sistema de time management eficiente, adecuado a nosotros y realista.

Espero que este video te ayude a construir una rutina de estudio eficiente para aprovechar al máximo el tiempo que pasas estudiando música y espero que todos los que me habéis preguntado en el canal sobre cómo diseñar una rutina de estudio para músicos saquéis cosas positivas de él.

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Superposición Armónica – Aprende a usarla

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La superposición armónica es un recurso fundamental de nuestro lenguaje armónico a la hora de improvisar y componer música, dentro y fuera del jazz.

Es un recurso además sencillo para utilizar recursos armónicos y melódicos que, en principio, pueden parecernos más complejos -como movernos en escalas de tipo octatónico- pero que luego iremos interiorizando hasta que formen parte de nuestro lenguaje musical.

Esta técnica de superposición armónica también puede ayudarnos a construir una sonoridad que encontramos en la música moderna, en gente como John Coltrane y sus «sheets of sounds» y en gente como Brad Mehldau, Pat Metheny, etc, en lo que alguna gente como Rick Beato denomina «high information lines».

La superposición armónica enriquecera nuestro vocabulario musical, haciendo que el oído imagine con claridad armonías que pertenecen a acordes que no están presentes en realidad en el arreglo.

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Lenguaje Armónico en la Guitarra y el Piano

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Aplicar nuestro lenguaje armónico a distintos instrumentos es una oportunidad buenísima de ampliar nuestros recursos musicales, ya que las disposiciones y sonoridad de los acordes no es la misma en todos los instrumentos. Por eso, siempre que puedo, toco instrumentos que no sean el piano, que es mi instrumento habitual.

La gente de Donner (https://idonner.eu) me ha regalado una guitarra eléctrica y para hablar de las diferencias que tenemos al aplicar la armonía en una guitarra o en un piano he traido a mi amigo Pedro (@pedroenc en Instagram)

Conocer la mecánica y el lenguaje idiomático del mayor número de instrumentos posibles es una herramienta valiosísima para nosotros como compositores, hagamos rock, jazz, blues, pop, soul o cualquier estilo.

La guitarra podéis comprarla en Amazon y con el código que os dejo tendréis un 5% de descuento. Y9R8-D49FDG-QFNHBU La guitarra aquí: https://amzn.to/2UHa6vF

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Cómo Hacer Bandas Sonoras

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Hemos visto cómo hacer música para ilustraciones, hemos visto cómo hacer música para personaje, hemos visto cómo hacer música para fotografía y hoy, por fin, vamos a ver cómo hacer cine. ¿Por qué digo cómo hacer cine en lugar de cómo hacer música para cine? Porque la forma narrativa que es el cine se compone de varios elementos que trabajan de forma conjunta para contarnos la historia, y la música es uno de esos elementos, uno de los narradores y a su vez es personaje e incluso, en ocasiones, protagonista, pero la idea es que tengamos un contacto de primera mano con qué implica, como músicos, hacer cine. Tenemos a Sergio Lasuén, amigo mío y compositor de bandas sonoras, un excelente educador musical que va a daros algunos tips sobre cosas a tener en en cuenta cuando hacemos cine con nuestra música. También tenemos a la gente de Doncella Audiovisuales, que nos ha cedido uno de sus primeros cortos para que podamos aplicar lo aprendido.

Escala Mayor Armónica

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La escala mayor armónica, o harmonic major, es una escala fuente de la cual surgen varios modos que utilizamos en jazz y en música moderna. Posee una sonoridad con mucho interés, acordes aumentados, disminuidos, etc, pero nosotros vamos a centrarnos en el desarrollo melódico, es decir, vamos a utilizar la escala de una forma melódica y vamos a intentar construir melodias con esta escala, es decir, con la escala mayor armónica, y en ocasiones utilizaremos la armonía que surge de la propia escala y otras veces usaremos una rearmonización pero la melodía siempre tendrá como escala fuente la escala mayor armónica.

00:00 Inicio 00:43 Escala Mayor Armónica 01:10 Uso Melódico y tradición armónica 02:00 Melodía y armonía 02:45 Teoría Musical 03:35 Jazz 05:12 Simplificaciones 05:45 Grados y Triadas 07:00 Sensible 08:34 Modos de la escala menor armónica y melódica 09:10 Escala y Escala Fuente 09:52 Transformaciones en la escala mayor 10:18 Plagalidad menor 10:36 Mixtura modal 11:45 Acordes, estructuras y gravedad melódica. 13:02 Exploración Melódica de la escala 13:13 Voicings y Acordes