Rearmonizar melodías es una habilidad musical básica para el músico moderno que trabaja en contextos creativos donde la improvisación y la capacidad de hacer arreglos musicales distintos para una misma pieza tiene relevancia.
Mucha de la rearmonización que vemos hoy día se aplica directamente sobre progresiones de acordes y pide a la melodía unicamente que encaje. Este enfoque, aunque extendido, es limitado y podemos extraer mucho más de la rearmonización si utilizamos la melodía como eje principal para generar la nueva armonía.
Para que esto suceda lo primero que hemos de hacer es distinguir entre armonía y acordes, eso nos deja en una mejor disposición para rearmonizar la melodía. Después tenemos que ser conscientes de la tendencia melódica de cada nota dentro de los distintos contextos armónicos en los que podemos ubicarla.
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Componer con acordes es algo común pero no siempre sabemos exactamente cómo componer con acordes. Para poder realizar un desarrollo armónico y un desarrollo melódico debemos comprender qué son las notas no estructurales y qué son las notas estructurales y lo mismo sucede con los acordes, es decir, qué acordes son estructurales y qué acordes son no estructurales.
También hemos de considerar el tratamiento compositivo que vamos a darle a esas notas estructurales y, en última instancia, aprender a reconocerlas usando tan solo nuestro oído.
00:00 Inicio 00:05 Notas estructurales y notas no estructurales 00:45 Desarrollo sinfónico en contextos modernos 01:22 Componer partiendo de la armonía 01:55 Acordes estructurales 02:40 Armonía extendida 02:55 La función pre-dominante 04:20 Acordes no estructurales 05:51 Melodías estructurales 06:20 Melodías no estructurales 07:20 Rearmonizar melodías estructurales 07:35 Aplicación melódica de lo no estructural 09:17 Componer partiendo de un acorde 10:03 Proceso compositivo por fases 13:25 Sentido musical de lo estructural y lo no estructural
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Componer con clusters o incorporarlos en nuestros arreglos musicales, sea en la orquestación de un conjunto sinfónico al completo o en ensembles más pequeños, es un recurso sin duda interesante para nuestros arreglos musicales, aunque presenta ciertas dificultades.
Los clusters son disposiciones de los acordes compuestos exclusivamente de segundas mayores, segundas menores o una combinación de ambas.
Cuando componemos con clusters tenemos a nuestra disposición sonoridades muy evocadoras, tal y como ya nos mostraron los grandes maestros del impresionismo, pero vamos a tener que manejarlos con cuidado, estando muy pendientes del límite de intervalos bajos, de los planos sonoros, de las dinámicas y del aspecto psicoacústico de nuestra obra; vamos a tener que asegurarnos de que la masa sonora que obtendremos gracias al cluster se percibirá en estructuras armónicas que el oído podrá identificar con claridad.
Crear paisajes sonoros utilizando clusters es, una vez hemos cogido el truco a cómo orquestarlos, bastante sencillo, especialmente si lo combinamos con armonía modal. Sin embargo en el ejercicio propuesto tendremos que tener también una melodía que sea reconocible y memorable; que sea coherente y que funcione de forma clara y bien diferenciada en este contexto donde caer en lo ambiental y regodearnos en la textura va a ser muy, pero muy tentador.
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La modulación es un recurso armónico que nos ayuda a dar interés a nuestras composiciones. La semana pasada construímos una melodía que atravesaba las doce tonalidades utilizando una progresión de acordes que se basaba en la modulación constante.
En el video de esta semana vamos a insistir en la idea de construir una melodía que vaya modulando por las doce tonalidades pero nos vamos a mover de forma distinta, ya que en lugar de utilizar resoluciones de dominante a tónica vamos a utilizar resoluciones de subdominante a tónica, es decir, vamos a componer con modulaciones plagales.
Además vamos a utilizar un recurso muy habitual en la música de cine que es lo que algunos teóricos llaman harmonic overkill.
También vamos a aprender a utilizar el registro como herramienta compositiva y a crear periodos para nuestro fraseo melódico en contextos donde la progresión es continua, como en este caso donde estamos en medio de una modulación constante.
Como en todos los videos, se propone un ejercicio para que lo puedas realizar en casa y que lo escuchemos en directo el sábado que viene. Si ves este video más tarde no podremos corregir tu trabajo en directo pero aún así puedes hacerlo para asegurarte de que estás convirtiendo en práctica musical la teoría musical que aquí se explica.
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La Armonía Modal es una de las herramientas compositivas que podemos utilizar en música moderna para dar carácter y riqueza armónica a nuestras composiciones.
Por supuesto la composición modal moderna no es algo exclusivo del Jazz; en el pop/rock encontramos multitud de temas modales, desde el luminoso Man on The Moon de R.E.M en modo lidio hasta el oscuro Painkiller de Judas Priest, que es, por cierto, uno de los pocos temas en modo locrio ya que este modo presenta algunos problemas que explicamos en el video.
El rock por su parte nos ha dejado grandes temas cuyas progresiones son claramente mixolidias. También en Jazz tenemos multitud de ejemplos de composiciones modales, de hecho toda una rama del jazz, el jazz modal, se centró en el trabajo con los modos como eje compositivo.
Otros artistas como Sting o Radiohead nos han brindado algunos temas donde los modos juegan un papel decisivo, valiéndose de procesos cadenciales más propios de la música tonal que de el característico eje de tensión/relajación típico de la música modal.
En el canal hemos dedicado una serie de videos a la composición con modos, tanto de la escala mayor como de otras escalas fuente como la mayor armónica, la menor armónica y la escala napolitana menor.
En este video tutorial vamos a ver cómo podemos utilizar algunos de los conceptos que hemos trabajado en armonía moderna para desenvolvernos con soltura en contextos modales, así que debajo del video tenéis el índice:
Componer melodías teniendo como notas estructurales las notas guía y las notas características del modo como material compositivo es una manera sencilla de construir melodías memorables.
Muchas veces pensamos que el acorde es el que nos aporta la información armónica cuando, en realidad, muchas veces es la melodía la que nos da esa información. Grandes improvisadores como Lester Young. Stan Getz, John Coltrane y Sonny Rollins, nos han legado una técnica basada en melodías espontáneas con una riqueza armónica sin precedentes, al margen de la direccionalidad melódica y el contorno melódico.
Cuando hablamos de notas guía en armonía moderna tenemos que considerar dos niveles; el nivel estructural, donde aportamos la información sobre la naturaleza del acorde y el nivel modal, donde aportamos información sobre la naturaleza del modo.
Como el oyente se lleva consigo las líneas monofónicas de nuestra composición, es deseable que construyamos melodías que tengan solidez armónica, tanto al componer como al improvisar, y de esta forma podremos marcar una diferencia muy clara entre estar tocando encima de una progresión de acordes y estar creando una melodía a partir de una progresión de acordes.
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Hemos visto cómo construir una progresión de acordes a partir de nuestra melodía para tener una armonía lo más rica posible pero también existe la opción de trabajar al revés, es decir, componer canciones partiendo de una secuencia de acordes.
En este video vemos cómo componer una canción partiendo de una rueda de acordes y, haciendo uso de nuestro lenguaje armónico, mejoramos la armonía para tener a nuestra disposición más escalas y modos con los que componer la melodía, de forma que esta sea más rica y nos dé más oportunidad de desarrollo melódico.
También, desde un punto de vista modal, tenemos que considerar las relaciones estructurales que existen entre las notas de un modo y las notas del siguiente, ya que este es uno de los puntos clave en el lenguaje melódico de grandes músicos de jazz y de otros estilos que muchas veces se pasa por alto y que ofrece recursos interesantes más allá del uso de notas comunes.
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Chord Melody es el nombre que ponemos en jazz a convertir una melodía en una sucesión de acordes, sucesión de acordes que normalmente tiene la melodía en el top note y hace uso extensivo de las técnicas de rearmonización propias del lenguaje jazzistico
El chord melody no es patrimonio exclusivo del jazz, de hecho algunas melodías anteriores al periodo clásico ya utilizaban esta forma de armonización.
Hoy día la encontramos en jazz, rock, fussion e incluso en pop. Los principios que la rigen son bastante sencillos y en este video los explicaremos con un ejemplo sencillo.
Las cosas a tener en cuenta a la hora de rearmonizar con esta técnica musical son los landing points, es decir, los puntos de llegada, la direccionalidad melódica y la narrativa tanto melódica como armónica.
Para usar chord melody de una forma efectiva tenemos que plantear la rearmonización como algo más que sustituir acordes, ya que en su versión más pura todas y cada una de las notas van a tener su propio acorde.
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El Blues es un elemento clave en la armonía moderna de tradición afroamericana que sirve como base a músicas de gran riqueza melódica, rítmica y armónica.
Durante la era del swing dos grandes orquestas compartían el liderazgo de la escena jazzistica, la orquesta de Count Basie y la orquesta de Duke Ellington, aunque las radiofórmulas, que en aquellas épocas no programaban música de artistas afroamericanos, se alimentaban con la orquesta de Benny Goodman, Glenn Miller y otros.
Algo similar sucedía en el panorama del blues y el rock, donde las nuevas músicas surgidas en la comunidad afromericana tenían un potencial, no sólo músical sino comercial, enorme. En medio de este contexto nos encontramos con que algunas orquestas de swing interpretaban blues, algunas de ellas como la orquesta de Count Basie, de forma excepcional. Estas orquestas desarrollaron su propia versión de la típica progresión de blues de 12 compases, como sucedería después en el bebop.
A las progresiones de blues y su evolución ya le dedicamos un video que puedes encontrar aquí:
En el video de hoy vamos a explorar el tipo de progresión de blues que era habitual en la big band de Count Basie, vamos a ver su progresión armónica para conocerla, con sus disminuidos, sus dominantes secundarios, etc, y añadirla a nuestro repertorio de recursos armónicos, incrementando nuestro vocabulario musical.
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Los acordes de jazz son parte esencial del vocabulario jazzistico. Hace unas semanas hablábamos de los rhythm changes y hemos hablado también de progresiones de jazz aplicadas al blues, al gospel y otras músicas de raiz afroamericana. Si nos remontamos a las épocas que precedieron a la era del swing, cuando el bebop todavía estaba por llegar y suponer el salto armónico que supuso, encontramos ciertas ideas que después evolucionarían, llegando a formar parte del vocabulario jazzistico que cualquiera de nosotros maneja hoy día. Una de estas ideas es el stomp progression, progresión stomp o acordes stomp, que pese a no ser una forma completa como pueda ser el rhythm changes o el blues, forman parte de los movimientos esenciales que debemos conocer.
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