IMPROVISACIÓN: MAPEO ARMÓNICO

Una de las claves de la improvisación es conocer perfectamente el modo que pertenece a cada uno de los acordeds en los que estamos moviéndonos.

Para ello, mapear los chord tones y tensiones del acorde, es un recurso muy útil.

Dentro de la teoría musical, en el campo de análisis musical, es importante que tengamos muy, muy clara la relación escala acorde; tanto la forma del acorde, como su modo como su escala fuente, al margen del voicing que estemos tocando.

Esta sencilla técnica te ayudará toques el instrumento que toques, sea piano, guitarra, saxofón o lo que sea.

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¿Los Acordes Menores Son Tristes?

¿Es verdad que los modos producen emociones? ¿que los acordes mayores son alegres y los acordes menores son tristes?

No exactamente, ni los acordes menores son tristes ni los mayores son alegres y en este video te cuento por qué.

Hay muchos modos además de los 7 modos griegos que probablemente conoces (jónico, dórico, lidio, mixolidio, eólico y locrio) tenemos todos los modos de la escala menor melódica y todos los de la escala menor armónica, (dórico b2, lidio aumentado, mixolidio b13, Locrio 9, superlocrio, locrio 13, jónico aumentado, lidio menor, frigio dominante, lidio #2, disminuida alterada, etc)

Cada uno de estos modos puede transmitir una emoción pero no es que tengan una emoción asociada, sino que es algo más relacionado con el uso y además ese uso varía incluso de una zona a otra del mundo, de ahí que sea interesante dedicar unos minutos a esta parte de la teoría musical que a veces está un poco más abandonada y de la que es genial hablar.

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La Escala Cromática como Mapa de Acordes.

La escala cromática, además de ser importante en el jazz y en las músicas urbanas, es una guía útil para localizar varios tipos de acorde con un sólo golpe de vista:

Acordes Disminuidos como acordes de paso, dominantes secundarios y acordes sustitutos o SubV7. En este video echamos un vistazo a un recurso básico y fácil para situarte usando la escala cromatica como guía.

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TOCAR EN TODAS LAS TONALIDADES

¿Tocar en todas las tonalidades? En este video de teoria musical súper fácil para principiantes, te enseño cómo entender los acordes, escalas, modos y tonos para que puedas hacerlo.

También te sirve para componer canciones, porque a veces compones en un tono y luego quieres transportarla a otras tonalidades para otros cantantes (¡o para tus días de resaca!)

Recuerda, aprende a tocar canciones en todas las tonalidades sin demasiada complicación, hay armonia y teoria musical implicada en el proceso pero nada que no puedas manejar, créeme.

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Componer para Videojuegos: Las Históricas Aventuras de Daniela

Componer para videojuegos es una de las cosas que más me gusta dentro del campo de la composición para bandas sonoras.

Quizá sea por el uso de música adaptativa o por las posibilidades que ofrece a la hora de utilizar todo el material que genero durante el proceso de composición, pero el caso es que componer para videojuegos me resulta estimulante.

He hablado de ello también en el canal de Rafa Laguna, buen amigo y profesor de creación de videojuegos.

En el video de abajo os explico cómo cree el tema principal de Las Históricas Aventuras de Daniela y como este tema sirvió de base para toda la banda sonora.

A través de fragmentación, transformación modal, elasticidad melódica, outlines y una serie de técnicas explicadas en mi curso de desarrollo melódico, di forma a la banda sonora del videojuego y en este video os detallo el proceso.

Un elemento de interés añadido a la hora de componer para este videojuego es que los creativos eran, literalmente, niños. Era un proyecto interdisciplinar entre centros y fue toda una experiencia poder participar en ello.

Esta iniciativa educacional ha recibido ya varios premios y menciones en prensa y espero que siente las bases para futuros proyectos de este estilo, donde los adultos ayudan a que los pequeños plasmen sus ideas en un producto final disfrutable.

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Triadas Abiertas (y Cuatriadas)

Triadas, triadas abiertas, cuatriadas, cuatriadas abiertas… ¿de qué va eso de abierta o cerrada?

Cuando construimos una triada o una cuatriada, la teoria musical nos dice que lo hagamos de una determinada forma; con una determinada fórmula.

Cuando queremos acordes más abiertos, los open voicings, nos explican una fórmula en la que construimos el acorde saltando notas para obtener una posición abierta.

Sin embargo la técnica que te explico en este video es mucho más rápida y efectiva, ya que no tienes que hacer nada distinto a lo que ya estás haciendo para conseguir triadas o cuatriadas en posición abierta, tan sólo cambiar la dirección.

¿Qué quiero decir con lo de cambiar la dirección?

Pues que si quieres una triada de C abierta, coges las notas que usas en la posición cerrada de abajo a arriba (C,E,G) y haces lo mismo pero de arriba a abajo (C, E, G pero empezando desde arriba). Lo mismo es aplicable a las cuatriadas.

Esta técnica hipersencilla es un primer paso hacia alterar las sonoridades de tus voicings, o disposiciones del acorde, tienes un curso de 9 horas dedicado a los voicings en mis cursos de música online.

Cómo Improvisar: Herramientas básicas y ejercicios.

¿Cómo improvisar?

Todos los que nos dedicamos a la enseñanza de música moderna nos hemos enfrentado a esta pregunta en algún momento. De hecho, en más de uno.

La improvisación, dejando de lado mil matices y simplificando para poder manejar el tema que nos ocupa, puede entenderse como composición en tiempo real.

De esta forma, se aplicarían las mismas técnicas armónicas, melódicas y rítmicas que se aplican a la composición, con el matiz de aplicarse en tiempo real y sin posibilidad de volver atrás, es decir; sin poder corregir nada de lo tocado.

En el último video de mi curso de desarrollo melódico, doy algunas ideas sobre cómo aplicar todas las técnicas vistas durante las 13 horas que dura a la improvisación

Sin embargo, sí que hay un pequeño elemento que diferencia en gran parte al improvisador del intérprete puro; la capacidad de tocar lo que piensa, llegando a simultanearlo de tal forma que, desde fuera, pensamiento y acción son lo mismo.

Por supuesto existen técnicas con base armónica que nos permiten improvisar; outlines, guide tones, escalas, arpegios, etc, todas están cubiertas en mi curso, pero es esta herramienta, este pensar y tocar, lo que siempre me ha fascinado y a lo que dediqué este video.

En el video de cómo improvisar introduje el concepto de tacto mental, a falta de un término mejor, para describir esa capacidad de saber dónde están las notas en el instrumento, sin tener que leerlas en el papel y, en ocasiones, sin tener que mirar el piano, la guitarra o el instrumento que estemos tocando.

La idea del video es, no sólo verlo, sin poner en práctica lo que en él se explica.

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¿Cómo desarrollar melodías?

Cómo desarrollar melodías. El video que hice en febrero de 2019 iba sobre cómo desarrollar melodías.

En él expliqué un par de técnicas sencillas para conseguirlo, ya que es cierto que, si comparamos con la cantidad de material sobre armonía, producción musical, etc, hay muy poco sobre desarrollo melódico.

El video tuvo muy buena acogida, hubo interacciones no sólo en los comentarios sino por mail y, finalmente, terminó dando pie al que es uno de mis cursos de música moderna más exitoso:

El curso de desarrollo melódico, donde explico con múltiples técnicas y conceptos cómo desarrollar melodías.

En el video me centré durante 19 minutos en una sola técnica de rotación que nos permitía obtener nuevo material melódico a partir de un material dado.

Hay muchas más técnicas y además se combinan entre sí, pero esta me pareció muy fácil de explicar y muy fácil de entender, así que me decanté por ella.

Tengo que reconocer que me preocupó un poco el usar partitura, porque gran parte de mis suscriptores no están acostumbrados al pentagrama, pero era algo que tenía que hacer para poderlo explicar bien.

La gente, incluso los que no leen música, entendió todo perfectamente, porque es una técnica bastante visual, así que sin problema.

Hablando de visual, este ejercicio te puede gustar y es también aplicable.

Aquí tenéis el video, espero que os guste, y recordad que tenéis un curso de 13 horas con muchísimas más técnicas de desarrollo melódico.

Melodía y Acordes, ¿Qué Hago Primero?

Está la melodía y están los acordes pero qué hago primero, ¿melodía y acordes? ¿primero melodía y luego acordes o al revés?

En mis más de 12 años como educador musical en un centro privado me enfrenté muchas veces a esta pregunta. Ahora, como profesor online y propietario de un canal sobre teoría musical, sigo recibiéndola de tanto en tanto.

En diciembre de 2018 hice este video que encontrarás aquí abajo donde abordaba el tema de melodía y acordes, ya que no hay una respuesta universal, no porque no esté claro, sino porque depende mucho de la persona y sus capacidades del momento.

Contexto

Al principio de mi formación armónica, antes de ser profe, la armonía que estaba sonando predeterminaba mucho mis elecciones a la hora de pensar melodías, bien fuese para componer una canción o para improvisar sobre una progresión.

Fueron dos conceptos, y su práctica, lo que cambiaron esto, por un lado la superposición armónica y por otro la práctica de lo que en jazz se denomina playing outside.

Melodía y acordes pasaron entonces a funcionar de otra manera para mí, pero insisto; para mí.

El video sobre melodía y acordes

En este video exploré los pros y contras de cada una de las formas de trabajar, o bien tener una armonía (implícita o explícita) y partir de ella para generar la línea o las lineas melódicas, o bien tener una línea melódica y partir de ella para generar la armonía.

A día de hoy puedo trabajar con ambos sistemas con la misma comodidad, pero sí tengo un preferido -tal y como digo en el video- y, por los motivos que expongo en él, creo que uno es mejor que el otro para mi forma de crear y mis capacidades.

Sin embargo no hay que desdeñar la seguridad que aporta el otro sistema, así que lo dicho; intenté explicar cómo funcionan ambos sistemas y que seáis vosotros los que escojáis.

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Cómo la Literatura y el Cine te Enseñan a Hacer Música

La literatura y el cine tienen varias cosas en común, entre ellas el storytelling.

Un novela nos cuenta una historia, una película también y, hasta bien bien poco, la música en las películas hacía lo mismo.

En el momento en que un tema atraviesa toda una película sin desarrollarse se anula su curva dramática; en E.T vamos escuchando fragmentos del tema, pequeñas células melódicas, hasta que escuchamos el tema completo. En el Batman de Elfmann, escuchábamos el tema y variaciones no sólo en la melodía sino en el propio background. Sin embargo, el Batman de Zimmer suena igual la primera vez que se nos presenta en la película y la última. Sólo hay un par de cambios armónicos que expliqué en este video, pero no hay desarrollo, no hay cambio; no hay historia.

Para aprender cómo contar una historia, cómo establecer una narrativa, podemos recurrir no sólo a bandas sonoras que la posean, sino a dos artes distintos; la literatura y el cine. Dos artes unidos que, sumados a un tercero, la música, pueden crear un mundo concreto y definido para cada film.

Distintas variaciones temáticas que no sean sólo cambios de volumen o cambios de orquestación; inversiones, rotaciones, adaptaciones modales, secuencias, modulaciones, elasticidad melódica, fragmentación y un largo etcétera de técnicas de desarrollo melódico están a nuestra disposición.

Muchos maestros, siguiendo el esquema de inicio, nudo y desenlace, guardan la versión más potente del tema para casi el final de la película, creando una curva de desarrollo que hace que la música avance en lugar de ser una decoración estática con un sonido impecable, eso sí.

El video donde abordé estos temas es este:

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