Componer para Videojuegos: Las Históricas Aventuras de Daniela

Componer para videojuegos es una de las cosas que más me gusta dentro del campo de la composición para bandas sonoras.

Quizá sea por el uso de música adaptativa o por las posibilidades que ofrece a la hora de utilizar todo el material que genero durante el proceso de composición, pero el caso es que componer para videojuegos me resulta estimulante.

He hablado de ello también en el canal de Rafa Laguna, buen amigo y profesor de creación de videojuegos.

En el video de abajo os explico cómo cree el tema principal de Las Históricas Aventuras de Daniela y como este tema sirvió de base para toda la banda sonora.

A través de fragmentación, transformación modal, elasticidad melódica, outlines y una serie de técnicas explicadas en mi curso de desarrollo melódico, di forma a la banda sonora del videojuego y en este video os detallo el proceso.

Un elemento de interés añadido a la hora de componer para este videojuego es que los creativos eran, literalmente, niños. Era un proyecto interdisciplinar entre centros y fue toda una experiencia poder participar en ello.

Esta iniciativa educacional ha recibido ya varios premios y menciones en prensa y espero que siente las bases para futuros proyectos de este estilo, donde los adultos ayudan a que los pequeños plasmen sus ideas en un producto final disfrutable.

Si te interesa la composición, la armonía moderna, los voicings, el desarrollo melódico y todas estas cosas, te recomiendo que visites mis cursos de música online y que eches un vistazo a mi canal de Youtube, donde tienes recursos totalmente gratis.

Elton John: Lenguaje Armónico

Elton John, pese a empezar su carrera en los 70, tiene un fortísimo sonido ochentero en lo que se refiere a recursos armónicos.

Muchas veces asociamos el «Sonido de los 80» a eso; al sonido, a esas baterias de caja con reverb, a esos sintes y textura sonora y, no sin cierta ironía, olvidamos la música en sí.

Hubo una variedad de recursos musicales que inundaron la época, ya que la mayoría de músicos de la primera mitad de los ochenta, al igual que Elton John, venían de los 70, sabían tocar algún instrumento y podían hacer su música en directo con la misma efectividad que en el estudio.

Luego llegó la tecnología de producción musical que al principio potenció la música y luego, poco a poco, fue sustituyéndola, con honrosas excepciones.

Parte del lenguaje armónico de la época, y que encontramos en Elton John, son: acordes con novenas, inversiones, acordes híbridos, acordes suspendidos y toda una serie de formas de hacer que a veces se veían eclipsadas por lo más superficial; el sonido en sí, pero que todavía estaban presentes.

Siempre invito a mis suscriptores y a los alumnos de mis cursos de música online que, independientemente del estilo musical que practiquen, enriquezcan su vocabulario melódico, armónico y rítmico.

En ese sentido, Elton John puede aportarnos algunos recursos a los cuales echamos un vistazo en el video que te dejo aquí abajo. Espero que lo disfrutes.

Triadas Abiertas (y Cuatriadas)

Triadas, triadas abiertas, cuatriadas, cuatriadas abiertas… ¿de qué va eso de abierta o cerrada?

Cuando construimos una triada o una cuatriada, la teoria musical nos dice que lo hagamos de una determinada forma; con una determinada fórmula.

Cuando queremos acordes más abiertos, los open voicings, nos explican una fórmula en la que construimos el acorde saltando notas para obtener una posición abierta.

Sin embargo la técnica que te explico en este video es mucho más rápida y efectiva, ya que no tienes que hacer nada distinto a lo que ya estás haciendo para conseguir triadas o cuatriadas en posición abierta, tan sólo cambiar la dirección.

¿Qué quiero decir con lo de cambiar la dirección?

Pues que si quieres una triada de C abierta, coges las notas que usas en la posición cerrada de abajo a arriba (C,E,G) y haces lo mismo pero de arriba a abajo (C, E, G pero empezando desde arriba). Lo mismo es aplicable a las cuatriadas.

Esta técnica hipersencilla es un primer paso hacia alterar las sonoridades de tus voicings, o disposiciones del acorde, tienes un curso de 9 horas dedicado a los voicings en mis cursos de música online.

Rosalía: La armonía, trá trá.

Rosalía es, sin duda, la artista del momento. No sólo por su forma de irrumpir, por su propuesta estética y musical o por su alcance internacional sino por aspectos no tan evidentes de su música.

La conocí de una forma totalmente accidental gracias a la cantidad de detractores a los que parecía molestar que la joven triunfase, hice un video sobre ello.

A lo que vamos: en los últimos años hemos vivido la ascensión imparable de artistas cuya música se basaba puramente en la producción sonora, dejando el aspecto armónico relegado, literalmente, a los cuatro acordes de siempre.

Sin embargo en Rosalía encontramos, si miramos debajo de toda la producción -que pese a su minimalismo contiene elementos muy llamativos-, una serie de recursos armónicos que bien merecen una pequeña exploración.

La artista compone, compone de verdad, quiero decir; melodía, acordes y una idea clara del arreglo que luego materializa con sus productores. De hecho su disco El Mal Querer es su trabajo de fin de grado reconvertido gracias a los sonidos de su productor en el disco tal y como lo conocemos.

Algunos recursos armónicos, uso de modos habituales en el flamenco, dominantes frigios, etc, alejan el disco de la previsible armonía de los top chart, lo cual se agradece en una artista joven.

Que haya o no estudiado es lo de menos, pero en su caso, Rosalía ha estudiado en una de las mejores escuelas de música que tenemos en España, así que lo mínimo es escuchar el álbum y formarse opinión.

¿Modo Lidio o Modos Lidios? Aprende a usarlos todos.

¿Modo Lidio o Modos Lidios? ¿De dónde sale ese plural?

En el post anterior veíamos que había más de 7 modos musicales, de hecho nos centramos en 21 y en esos 21 había modos lidios.

El cuarto grado del menor melódico, por ejemplo, se llama Lydian b7 o Lidio dominante. Alguna gente lo llama Mixolidio #11 pero, en armonía moderna, especialmente en jazz, se suele denominar Lydian b7, que es como un modo lidio normal pero con la séptima bemol.

En el primero intento serio de crear una teoría musical puramente jazzistica se utilizó la escala lidia como escala principal, en lugar de la jónica que utilizamos por norma general, y de ella se derivaban distintas escalas que daban pie a distintos modos lidios, entre otras cosas.

Todos estos modos y los acordes que les corresponden están cubiertos en mi masterclass de armonía moderna, que puedes encontrar en mis cursos online.

El propósito de este video fue explicar por qué los modos lidios son tan importantes, por qué hay más de uno y cómo se usan.

También, de camino, echamos un vistazo por encima a la armonía modal, que como vimos no se apoya tanto en progresiones sino en incidir en el color específico del modo, en el caso del lidio en la #11.

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Componer con Riqueza Armónica

Componer con riqueza armónica es una meta deseable pero difusa sin no concretamos un poco de qué estamos hablando.

En un primer momento, dado la tendencia a confundir la armonía con los acordes, podemos pensar que al hablar de riqueza armónica hablamos de que haya muchos acordes.

Y no va por ahí la cosa.

En la mayoría de música que escuchamos en la radio, el material melódico y armónico viene de la escala mayor y su menor relativa. Esto sería una escala fuente y su desplazamiento, o, si las tratamos como dos escalas fuente distintas pese a tener exactamente las mismas notas, dos escalas fuente.

Una escala fuente es aquella de la que sacamos los modos que hay debajo de los acordes que utilizamos.

La clave para componer con riqueza armónica reside en el uso de distintas escalas fuente, lo cual va a ampliar nuestro vocabulario armónico y melódico.

Teniendo como escala fuente la escala mayor y la escala menor natural tienes un total de 7 modos.

Si incorporamos la escala menor melódica sumamos 7 modos más.

Si además añadimos el menor armónico tenemos otros 7 modos, lo cual hace un total de 21 modos, que es el set básico que defiendo.

Además podríamos añadir el mayor armónico, las escalas de bebop, escalas disminuidas, whole tone, bebop scales, blues, pentatónicas, etc, pero como la idea es dar un pequeño recetario básico nos centraremos en estas 3 escalas fuente:

Mayor (y su menor relativa), menor melódica y menor armónica.

Utilizando estas 3 escalas fuente ya podemos empezar a hablar de componer con riqueza armónica.

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Cómo Improvisar: Herramientas básicas y ejercicios.

¿Cómo improvisar?

Todos los que nos dedicamos a la enseñanza de música moderna nos hemos enfrentado a esta pregunta en algún momento. De hecho, en más de uno.

La improvisación, dejando de lado mil matices y simplificando para poder manejar el tema que nos ocupa, puede entenderse como composición en tiempo real.

De esta forma, se aplicarían las mismas técnicas armónicas, melódicas y rítmicas que se aplican a la composición, con el matiz de aplicarse en tiempo real y sin posibilidad de volver atrás, es decir; sin poder corregir nada de lo tocado.

En el último video de mi curso de desarrollo melódico, doy algunas ideas sobre cómo aplicar todas las técnicas vistas durante las 13 horas que dura a la improvisación

Sin embargo, sí que hay un pequeño elemento que diferencia en gran parte al improvisador del intérprete puro; la capacidad de tocar lo que piensa, llegando a simultanearlo de tal forma que, desde fuera, pensamiento y acción son lo mismo.

Por supuesto existen técnicas con base armónica que nos permiten improvisar; outlines, guide tones, escalas, arpegios, etc, todas están cubiertas en mi curso, pero es esta herramienta, este pensar y tocar, lo que siempre me ha fascinado y a lo que dediqué este video.

En el video de cómo improvisar introduje el concepto de tacto mental, a falta de un término mejor, para describir esa capacidad de saber dónde están las notas en el instrumento, sin tener que leerlas en el papel y, en ocasiones, sin tener que mirar el piano, la guitarra o el instrumento que estemos tocando.

La idea del video es, no sólo verlo, sin poner en práctica lo que en él se explica.

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El Ciclo de Quintas y El Ciclo de Cuartas

El ciclo de quintas es una de las primeras cosas que aprendemos porque tiene múltiples usos.

Nos ayuda a ver el orden en el que van apareciendo los sostenidos, cuando nos movemos hacia atrás, los bemoles. También nos sirve para ubicar el dominante de un tono, su menor relativo y relaciones armónicas diversas.

En jazz solemos hablar más de ciclo de cuartas, es decir, lo que viene siendo coger el ciclo de quintas y recorrerlo «al revés», pero simplemente por la ventaja que representa frente a recorrerlo de forma normal.

Me explico:

Si voy de C a G y luego a D estoy moviéndome por quintas, estoy yendo de la tónica a su dominante y de ese dominante hacia el ii grado, que tiene función de subdominante, creando de esta forma una cadencia rota, que oye, tampoco está mal.

Sin embargo, si lo recorro al revés, es decir, si voy de D a G y luego a C, las funciones armónicas se alinean y todo empieza a funcionar. Dm es subdominante, G es dominante y C es la tónica en la que aterrizo.

Este Dm-G-C es un ii-V-I, una de las progresiones armónicas más fuertes de la música occidental y que aparece como elemento importante en el jazz. En otras músicas este ii se sustituye por un IV pero la función tonal es la misma.

Si en lugar de hacer esto lo convertimos todos en dominantes tenemos una cadena de dominantes extendidos; D7 que va a G7 que va a C.

Es decir, desde el punto de vista de la armonía funcional, recorriendo el ciclo de quintas de forma normal tenemos un mapa de dónde están los dominantes, etc, pero recorriéndolo por el ciclo de cuartas, tenemos una forma de movernos de tono a tono muy clara y potente.

Podemos además recorrer los primeros 6 tonos así:

Dm7 G7 CMaj7 | Cm7 F7 BbMaj7 | Bbm Eb7 AbMaj7 | Abm7 Db7 GbMaj7 | F#m7 B7 EMaj7| Em7 A7 DMaj7 | y volvemos al principio (C) con Dm7-G7-CMaj7

Aquí hemos recorrido C Bb Ab Gb E D

Si empezamos desde F por ejemplo tendriamos el resto, es decir:

Gm7-C7-Fmaj7 | Fm7 Bb7 EbMaj7 | Ebm7 Ab7 DbMaj7 | etc, etc, hasta volver a F.

Lo que hacemos basicamente es convertir el acorde objetivo que hace de tónica en el nuevo ii de la siguiente progresión, de esta forma enlazamos todo y podemos practicar moviéndonos por los doce tonos de forma fluida.

Esto facilita que, todo lo que aprendamos, lo aprendamos en los 12 tonos.

Aquí abajo tienes dos videos para practicar.

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Escala de Blues, ¿Puedo usarla en Temas Pop?

No es raro encontrar la escala de blues en un contexto pop. A fin de cuentas, el pop es una amalgama de influencias y estilos que va mutando con el tiempo.

Hace algunas décadas estaba impregnado de rock, ahora tiene más tintes de producción sonora con ritmos latinos y mañana vete tú a saber.

Esto es bueno, porque permite crear un lenguaje común que sea rico y beba de lo mejor de cada fuente, pese a que incomprensiblemente se está optando por el mínimo común denominador. O no tan icomprensiblemente, pero bueno, eso es otro tema.

La cosa es que, en este video, expliqué una técnica muy sencilla para integrar la escala de blues en un contexto pop. Para ello escogí un tema de Alejandro Sanz con Camila Cabello que estaba sonando en aquel momento (en Spotify al menos).

La idea básica es muy sencilla:

Si tenemos un tema pop con una progresión diatónica que no haga nada excesivamente extraño, buscamos en qué tono está y, si es mayor, nos vamos a su menor relativo (vi grado) y construimos ahí una escala de blues.

Está escala de blues desde el vi la alternaremos con la escala mayor del tono, haciendo una mixtura modal muy sencilla entre ambas.

En caso de que la tonalidad fuese menor cogeríamos directamente la escala de blues de esa tonalidad y, de nuevo, utilizaríamos mixtura modal para componer o para hacer nuestro solo.

Aquí te dejo el video.

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Acorde Dominante: Qué tipos hay

El acorde dominante nos da mucha libertad y es quizá, dentro de la armonía tonal, el tipo de acorde donde más imaginativos somos cuando empezamos a componer.

Sin embargo, al margen de todas las sustituciones y elecciones de modo que tenemos a nuestra disposición, también los clasificamos según lo que están haciendo.

Como siempre digo: Los acordes no son lo que son; los acordes son lo que hacen.

A raíz de un video donde explicaba un poco los dominantes sustitutos, me preguntaron si éstos eran lo mismo que los dominantes extendidos o los dominantes secundarios.

Es fácil confundirse, especialmente si eres autodidacta, pero diferenciarlos es bastante más sencillo de lo que puede parecer a primera vista, así que dediqué este video de abajo al acorde dominante y sus tipos de función; extendida, secundaria o sustituta.

Alguna gente confunde el dominante secundario con el dominante sustituto porque la palabra «secundario» les hace pensar que si el «principal» es el V7 el «secundario» será el que usamos para sustituirlo, es decir, el SubV7.

Esto no es así; el dominante secundario es aquel que resuelve sobre cualquier otro grado diatónico a la tonalidad en la que estamos y que tiene como raíz una nota también diatónica a esa misma tonalidad.

No todos los dominantes secundarios utilizan la misma escala. Esto lo expliqué con todo lujo de detalles en mi Curso de Armonía Moderna.

Otra confusión común es pensar que un dominante extendido es un dominante al que añadimos tensiones. Esta confusión viene de dos cosas:

  1. De llamar a las tensiones extensiones (cosa que odio).
  2. De llamar a la armonía completa (la que usa chord tones y tensiones) armonía extendida.

Un dominante extendido es un dominante que resuelve sobre otro dominante que resuelve sobre otro dominante, etc, etc. Forma parte de una cadena de dominantes.

Aquí tenéis el video con la explicación.

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